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IIC
- Italian Cutlural Institute
Tokyo
October
5, 2006
Acts
of the conversation
between
Stefano Cagol, artist, and Mami Kataoka, chief curator at Mori Art
Museum, Tokyo
ITALIAN TEXT BELOW
Massimo Sarti, Italian Cultural Attaché, IIC – Italian Cultural
Institute Tokyo:
Ok, at this point, after the vision of Stefano Cagol’s video of the new
series Harajuku Influences made here in Tokyo, let’s open the second
part of the evening. We are very honored to have here with us this
evening Mami Kataoka, chief curator at the Mori Art Museum and
Stefano Cagol, as well.
I would like to add that our director, Umberto Donati is also here with
us. He has followed with great interest the introduction of the video
and it is my honor to report that he has expressed his appraisal, and
is enthusiasticof Cagol’s work.
Umberto Donati, Director, IIC – Italian Cultural Institute
Tokyo:
Yes, and I particularly enjoyed Harajuku Influences 4!
Stefano Cagol:
Of course! Harajuku Influences 4, titled also The Flu ID!
I shot it in an over-passage in Odaiba!
Mami Kataoka:
We wish to carry out this debate by starting from the video works we
have watched.
I would like to begin with a question to Stefano Cagol. The series is
titled: Harajuku Influences, but it seems to me that there are no
images of this neighborhood in Tokyo. Where does this title come from,
then?
SC:
Harajuku Influences is above all an idea. It is the place where I have
lived here in the Tokyo when I first stayed for a month in 2004, in
Harajuku street. This is an influence, an autobiographical feeling.
There are no images, it is all in my mind.
MK:
These videos represent something that we imagine, that we have in our
mind, rather than what we see in front of our eyes. Something quite
interesting is happening: even if we are speaking of the same things,
each one of us seizes different images from within . . .
SC:
This second trip of mine has been very different from my previous. The
first was more of an impact, more emotional. This second time it has
maybe become more difficult because I wanted to understand a little
more the reason why I have been so fascinated by Japan. Something that
comes to surface is how strongly manga have entered the world’s
imagery, therefore the same Japanese culture has entered the world
imagery. I realized on myself how much I have undergone this
fascination.
When I was eight years old, I watched cartoons like Goldrake and
Yamato. All my generation was completely mad about them. There is thus
this strange bondage with Japan. Unconscious. Since my childhood.
I was telling Mami yesterday, that when I was ten I was literally in
love with Candy Candy to the point that I dreamt her at night.
MK:
When you told me yesterday of this “love” of yours for Candy Candy, I
was very curious and wanted to understand how this cartoon arrived in
Italy. I therefore did a little research on the net and I discovered
that this character has actually been introduced in various countries
along the years, for example in Indonesia, in France, in Hong Kong.
What is interesting is that in Italy not only the Italian version of
the original was broadcast, but another episode was made, a subsequent
Italian version broadcast on television in ’84.
Candy Candy came out in ’76. How did Italians and people in the world
watch this manga, how did they perceived the image of Japan through
this manga?
The name of Candy, the protagonist, is in fact a Western name, and the
other protagonist is Anthony. Japanese boys and girls are described as
Western kids, that is with blond hair.
This is what I thought of the video [Harajuku Influences] 3 about Candy
Candy. But also the other artworks by Cagol put into evidence the idea
of cultural influences and cultural identities.
In the first video called [Harajuku Influences] 1 there is the Japanese
flag. Stefano Cagol has often used and studied in-depth this element in
his works. He has directed his attention to the American flag, for
example. The flags are in all the world extremely symbolical and they
trigger in people many different feelings.
For example, when there are football matches or Formula One races, or
all sports events with a nation against another nation, on those
occasions Japanese people, even if they usually do not feel united, on
those occasions they become all one under the emblem. A narrow tie is
born between the image of the flag and their identity.
SC:
I used also national hymns in some artworks of last year. In particular
at the Singapore Biannual where I made a public art project, an
intervention that moved in town.
The protagonist was a white van with “Power Station” written on the
sides in big characters. Besides the Art Biannual in that moment in
town there was also the meeting of the International Monetary Fund, and
from the inside of the van G8 anthems were countered by Asian anthems.
The new countries with many energies. And with extremely troubled
histories. There were the Singapore anthem and the English hymn, the
Vietnamese anthem versus the States’ one; these are all ex-colonies.
At the same time pins with combinations of the word “power” were
distributed. Art power, money power, belief power, sex power, bomb
power, techno power. It was a small virus that moved and spoke of
symbols of belonging, of hymns, of power.
It moved in the most disparate places of everyday life of the city, at
the Little India market as in Wall Street. Therefore the reaction
towards the work was different.
MK:
I asked myself where Cagol had taken the Japanese flag in the video.
The series was made during Cagol’s stay in Tokyo this year, and he told
me that he was offered to stay at the guests’ quarters of the Italian
Institute of Culture, on the twelfth floor of this building. He told me
that he had shot the flag from the temple that he saw from those
windows. I therefore asked him if he knew which flag he had shot and
what it means to shoot the flag of that temple, in this moment it was
at the center of heavy discussions. Because it is the flag of
Yasukuni Shrine!
SC:
I knew that it was an important flag and I knew of the debate taking
place around the monument of war, but I did not know that place was the
one. The incredible side of this job is that coincidences of this kind
keep on happening: I value it is very important. And this is an
exceptional coincidence. This flag is fundamentally the most
meaningful.
MK:
What we see projected in this moment is the video Lies American flag
which I previously mentioned. The image is doubled, there is a symmetry
in-between the two parts, for this reason we cannot see the form of the
flag but something very different. And the speed is slowed down so that
we can perceive the transformations of this new form. When this artwork
had been done –as in this moment– there was a debate on the American
flag, on what it symbolizes, on the political decisions taken by that
state. I wrote the text on this video in 2005 when Cagol showed it in
London, and I saw at a certain point a form that reminded me of men’s
boxers. That is when the statement of a Japanese economist came to my
mind –definitely perfect for the actual state of things– which
described human beings as “monkeys with pants.”
I can finally say that these images bring to our mind so many
associations.
SC:
It is sometimes a Rorschach test. And with a symbol as the American
flag it becomes even more meaningful.
When I showed this video in London I noticed that everybody as a matter
of fact saw different things. For example, some Americans liked it
enormously: they had the vision of a triumphant flag. At the same time
in this video also anti-Americans can recognize themselves because they
find dangerous forms that induce fear. Each one of us can decide what
they can see in it.
MK:
We said that the Japanese flag in the video is the one of the Yasukuni
Shrine but there is also another audio that is the theme song of the
Yamato cartoon.
Yamato was the name of the flagship used by Japan in World War II, but
in the homonymous manga it is a space shuttle: instead of the conflict
between two nations, between the United States of America and Japan,
there was therefore a war between earth and space.
Many are therefore also here the hints by which we can amuse ourselves.
Then there is the video Past Time Heroes. Why this title?
SC:
These are heroes that do not exist any more, heroes with a simple
positive idea. They are the heroes of the Seventies. The ones of the
cartoons. To arrive in Tokyo has been for me like going back to a place
of my childhood. It is a place of fantasy where I can look for my
heroes. But maybe they have disappeared also here!
MK:
This imagery of the past and personal memories –like the one of Candy
Candy that we mentioned before– are connected with your shots of Tokyo
now. Is there something in common that ties these elements one to the
other?
SC:
For example in the video The Mystical Rose the soundtrack was made with
a kabuki instrument, while the title, the mystical rose, is a quotation
taken from Dante Alighieri, it is the passage by which you enter
paradise.
In the last video of the series, the title instead The flu ID draws
back to the English “flu,” influenza, while “ID” stands for identity.
Together they form the word fluid, in fact an aquatic atmosphere
dominates.
MK:
Then there was another video in which the deformed visions of the town
are seen, almost as if it was a flux. You can almost detect the beat of
a heart that moves along the landscape of the city of Tokyo.
SC:
I think that these towns are all one, that they are collective
entities. Tokyo, I think, is the most collective: here everything moves
together. This is maybe something that makes Tokyo different from other
metropolis, like New York. This crowd of people moves all together, but
it is all perfect, everything happens in a silent way: everything flows
like water.
MK:
In the video The flu ID there is a quotation taken from a book by Italo
Calvino The invisible cities. This made me think of the movie Solaris
by Andrei Tarkovsky where images of Tokyo’s highways are inserted: I
checked this film and it was made in ’72. Years ago there was an artist
who, by watching Solaris wanted to understand which Tokyo highways were
shot. He therefore went to those sites and showed the images of the
same place thirty years later. It highlights how Tokyo, already at the
beginning of the Seventies gave the idea of a city of the future.
SC:
Tokyo is the materialization of Antonio Sant’Elia’s architectures. It
is the closest to his drawings of the beginning of the century.
MS:
Let’s see now if the audience has some questions to ask.
X Italian person from the audience: (originally in Italian)
My question regards the latest video. It regards in particular The
invisible cities by Calvino because I particularly liked this quotation
but I would like to understand better its meaning.
SC:
We are talking of stays. Especially in a town like Tokyo, where there
is an incredible movement, thousands of people pass by the same point
in a day. Continuously. Still they disappear from that point, they
become invisible.
The stills of people in the video act as if they slowed this movement
to have it portrayed. Time plans slide and a second is like thousands
of years. Everybody leaves a trace, goes away, slowly disappears, but
permanent will be the sign of his passage.
The quotations regard in particular fantastic towns and that was what
most interested me. Because Tokyo is, according to me, the only city
that can collect in itself, can represent at the same time, all these
tens of imaginary cities.
MK:
In all the five videos that we have seen, Cagol modified time speed.
The flag that for example fluttered very slowly, and in the last part
of the video of Candy Candy the images run backwards; in The flu ID
time speeds up, instead.
There is another Japanese artist, Tatsuo Miyajima who makes his own
artworks with sequences of luminous numbers. His artworks have been in
various museums, but in the work featured at the contemporary museum of
art in Tokyo, the speed of the luminous countdown was quicker. Why?
Because we are in Tokyo!
Y Japanese person from the audience: (originally in Italian)
First of all congratulations for your artwork that I find wonderful. In
the first video there is the flag that is materially a piece of cloth,
light, but by modifying its speed, by slowing it down, you have given
it structure. Sometimes you have even stopped a moment by showing a
form. Has this form been looked for or is it casual?
SC:
Randomness is always present, also when there is a cut scene, also when
out of two hours shooting only few seconds of the video are extracted
through the selection at the moment of the cut.
By slowing the scenes down, then, images increase in an exponential
way. We therefore enter time, we look for it inside its stitches,
usually imperceptible.
Y:
It is the sound of the video, always the one of the Japanese flag: you
used Grendizer’s music. Did you know its meaning, or did you chose it
because you liked it?
SC:
Obviously the Italian theme song of the cartoon was familiar to me. But
I wanted to know the Japanese one, where the character is born. In one
of the Italian versions the same theme had been taken from the original
Japanese score: only the words had been translated and changed. I could
try to redo the video with Goldrake, which is the Italian version of
this manga, and with the Italian flag.
MS:
Thank you so much for this conversation. It has been very interesting.
I would though end by asking Cagol if he wants to say something of his
commitment in the future connected with Tokyo.
SC:
The outcome of this work in Tokyo and the projects in 2006 –therefore
with Singapore and Berlin included– will be part of a new book
published by Charta in Milan –one of the best publishing houses in the
arts. It will enter international distribution and we decided to launch
the book in Tokyo in April 2007.
I will therefore be back soon in Tokyo.
NADiff-
New Art Diffusion
Tokyo
5
ottobre 2006
Atti
della conversazione
Tra
Stefano Cagol, artista, e Mami Kataoka, capo curatrice, Mori art
Museum, Tokyo
Massimo Sarti, Italian Cultural Attachè, IIC – Istituto
Italiano di Cultura Tokyo:
Ok, a questo punto, dopo la visione dei video di Stefano Cagol della
nuova serie Harajuku Influences realizzata
qui a Tokyo, passiamo alla seconda parte della serata. Avremo la
conversazione tra Mami Kataoka, chief curator al Mori Art Museum Tokyo
– che siamo veramente onorati di avere qui con noi questa sera – e
Stefano Cagol... naturalmente.
Un’ultima cosa: è arrivato qui con noi il nostro direttore
Umberto Donati, che ha seguito la presentazione dei video con molta
attenzione e posso dire che ha espresso veri apprezzamenti ed è
entusiasta delle realizzazioni di Cagol.
Umberto Donati, Direttore, IIC – Istituto Italiano di Cultura Tokyo:
Sì! In particolare apprezzo [Harajuku Influences] 4!
Stefano Cagol:
Certo... [Harajuku Influences] 4, che ho intititolato anche The Flu ID!
L’ho girato in un sovrapassaggio ad Odaiba!
Mami Kataoka:
Vogliamo fare questa discussione prendendo gli spunti dalle opere video
che abbiamo visto.
Vorrei partire con una domanda a Stefano Cagol. La serie è
intitolata Harajuku Influences, ma mi pare che non ci siano immagini di
questo quartiere di Tokyo.
Da dove deriva allora questo titolo?
SC:
Harajuku Influences è soprattutto un’idea.
E’ il luogo dove ho abitato qui a Tokyo la prima volta
quando sono stato un mese nel 2004, ad Harajuku Street. Questa è
l’influenza, una sensazione autobiografica.
Non ci sono immagini, ma è nella mia mente.
MK:
Questi video rappresentano qualcosa che immaginiamo,
che abbiamo nella mente, piuttosto che quanto vediamo davanti ai nostri
occhi. Quindi succede una cosa interessante: anche se noi parliamo
delle stesse cose, ognuno ha immagini diverse dentro di sè…
SC:
Questo mio secondo viaggio è stato molto diverso dal primo. Il
primo è stato più d’impatto, più emotivo. Questa
seconda volta è stato invece forse più difficile
perché volevo capire un po’ di più il motivo per il quale
sono così affascinato dal Giappone.
Una cosa che viene prepotentemente in superficie è quanto i
manga siano entrati nell’immaginario del mondo, quindi la stessa
cultura giapponese è entrata nell’immaginario del mondo. Mi sono
reso conto di quanto io stesso avevo subito questa fascinazione. Quando
avevo otto anni vedevo cartoni animati come Goldrake e Yamato. Tutta la
mia generazione era completamente impazzita per loro. Quindi c’è
questo strano legame col Giappone. Inconscio. Fin dall’infanzia.
Ieri raccontavo a Mami che a dieci anni ero letteralmente innamorato di
Candy Candy, tanto che la sognavo di notte.
MK:
Quando ieri ho sentito di questo tuo “amore” per Candy Candy, mi ha
incuriosito molto capire come questo cartone animato era arrivato in
Italia. Allora ho fatto una piccola ricerca in rete e ho scoperto che
effettivamente questo personaggio è stato presentato negli anni
in vari paesi, per esempio in Indonesia, in Francia, a Hong Kong. Ma la
cosa interessante è che in Italia non è uscita solo la
versione in lingua italiana dell’originale, ma è stato fatto
anche un seguito, una versione successiva italiana che è andata
in Tv nell’84.
Candy Candy è uscito nel ’76. All’epoca gli italiani e la gente
nel mondo come avranno guardato questo manga, come avranno percepito
l’immagine del Giappone attraverso questo manga?
Il nome della protagonista Candy è infatti un nome occidentale,
e l’altro protagonista è Anthony. Poi i ragazzi giapponesi sono
descritti come i ragazzi occidentali, ossia con i capelli biondi.
A questo mi ha fatto pensare il video [Harajuku Influences]3 dedicato a
Candy Candy. Ma anche le altre opere di Cagol mettono in evidenza
l’idea di influenze culturali e identità culturali. Nel primo
video c’è la bandiera giapponese. Stefano Cagol ha utilizzato e
analizzato spesso nelle sue opere questo elemento. Ha soffermato la sua
attenzione per esempio sulla bandiera americana. Le bandiere sono in
tutto il mondo estremamente simboliche e provocano nella gente molti
sentimenti diversi.
Ad esempio quando ci sono le partite di calcio oppure le gare di
Formula Uno, o tutti gli eventi sportivi con una nazione contro
un’altra nazione allora il Giappone, anche se di solito non si sente
unito, in quelle occasioni diventa tutt’uno sotto la bandiera. Nasce un
rapporto stretto tra l’immagine della bandiera e l’identità.
SC:
Ho utilizzato anche gli inni nazionali, in alcune opere dell’ultimo
anno. In particolare li ho usati alla Biennale di Singapore, dove ho
realizzato un progetto d’arte pubblica, un intervento che si muoveva
nella città.
Protagonista era un piccolo furgone bianco con scritte grandi sui
fianchi le parole “Power Station”. Oltre alla Biennale d’arte in quel
momento in città c’era anche la riunione del Fondo Monetario
Internazionale, e dall’interno del furgone uscivano gli inni del G8
contrapposti con gli inni asiatici. Quelli nuovi, con molte energie.
Sono paesi con storie molto travagliate. C’erano l’inno di Singapore e
l’inno inglese, Vietnam versus States; sono tutti ex colonie.
Allo stesso tempo venivano distribuite spille con combinazioni con la
parola “power”, potere. Art power, money power, belief power, sex
power, bomb power, techno power. Era un piccolo virus che si muoveva
parlando di simboli di appartenenza, di inni, di potere.
Si spostava nei luoghi più disparati della quotidianità
della città, al mercato di Little India come nella Wall Street.
Quindi la reazione verso il lavoro era diversa.
MK:
Io mi sono chiesta dove Cagol avesse ripreso la bandiera giapponese del
video [Harajuku Influences] 1.
La serie è stata realizzata durante il soggiorno di Cagol a
Tokyo di quest’anno e lui mi ha detto che è stato ospite nella
foresteria dell’Istituto Italiano di Cultura, al dodicesimo piano di
questo palazzo. Mi ha spiegato che ha ripreso la bandiera del tempio
che vedeva da quella finestrata. Gli ho allora domandato se sapeva che
bandiera aveva ripreso e che significato ha riprendere la bandiera di
quel tempio, oltretutto in questo momento al centro di grandi
discussioni. Perché è la bandiera dello Yasukuni Shrine!
SC:
Sapevo che quella era una bandiera importante e sapevo del dibattito
attorno al monumento alla guerra, ma non sapevo che il luogo era
quello. Il bello di questo tipo di lavoro è che queste
coincidenze succedono: è molto più importante,
incredibile. E questa è un’ottima coincidenza. Questa bandiera
in fondo è la più significativa.
MK:
Questa che vediamo proiettata in questo momento è invece la
bandiera americana di Lies, a cui accennavo prima.
L’immagine è sdoppiata, c’è simmetria tra le due parti,
per questo non vediamo la forma della bandiera, ma qualcosa di diverso.
E la velocità è rallentata, in modo da percepire le
trasformazioni di questa nuova forma.
Quando è stata fatta quell’opera – come anche in questo momento
– si discuteva sulla bandiera americana, su quello che simboleggia,
sulle decisioni politiche di quello stato. Io ho scritto un testo su
questo video – nel 2005 quando Cagol lo ha presentato a Londra – e ho
visto ad un certo punto una forma che ricordava quella dei boxer degli
uomini. Allora mi è venuta in mente la metafora di un economista
giapponese – davvero perfetta per lo stato attuale delle cose – che
descriveva gli esseri umani come “scimmie con le mutande”.
Posso proprio dire che queste immagini ci portano alla mente tante
cose.
SC:
A volte è proprio un test di Rorschach. E con un simbolo come la
bandiera americana è ancora più significativo.
Quando ho presentato questo video a Londra ho notato che realmente
ognuno ci vede cose diverse. Ad esempio a degli americani piaceva
moltissimo: avevano la visione di una bandiera trionfante. Allo stesso
tempo si riconoscono in questo video anche gli anti-americani
perché scorgono forme pericolose, che incutono timore. Ognuno
può decidere cosa vederci.
MK:
Dicevamo che la bandiera giapponese del video è quella dello
Yasukuni Shrine, ma c’è anche un audio che è la sigla del
cartone animato Yamato.
Yamato era il nome di una nave ammiraglia utilizzata dal Giappone
durante la seconda Guerra Mondiale, ma nell’omonimo manga è
un’astronave spaziale: invece del conflitto tra due nazioni, tra Stati
Uniti d’America e Giappone, c’è quindi una lotta tra la terra e
lo spazio.
Tanti sono quindi gli spunti anche qui, rispetto ai quali possiamo
divertirci...
Poi c’è il video Past Time Heroes, eroi del passato.
Perché questo titolo?
SC:
Sono eroi che non ci sono più, eroi con un’idea sempre positiva.
Sono gli eroi degli anni Settanta. Quelli dei cartoni animati.
Arrivare a Tokyo per me è entrare in un luogo della mia
infanzia. E’ per me un posto della fantasia dove cercare questi eroi.
Ma forse sono spariti anche qui!
MK:
Quest’immaginario del passato e i ricordi personali – come quello di
Candy Candy che abbiamo nominato – sono collegati con le riprese della
Tokyo attuale.
C’è quindi un qualcosa in comune che lega questi elementi?
SC:
Ad esempio nel video The Mystical Rose il suono è realizzato da
uno strumento del kabuki, mentre il titolo, la rosa mistica, è
una citazione di Dante Alighieri, è il passaggio per andare in
paradiso.
Nell’ultimo video della serie, invece il titolo The flu ID rimanda
all’inglese flu, influenza, mentre id sta per identità. Insieme
formano il termine fluid, fluido. Infatti domina un’atmosfera
acquatica.
MK:
Poi c’era anche un altro video in cui si scorgono visioni deformate
della città, quasi fosse in un flusso. S’individua quasi il
battito del cuore che muove il paesaggio della città di Tokyo.
SC:
Credo proprio che queste città siano un tutt’uno, siano delle
entità collettive. Tokyo credo sia la più collettiva: qui
tutto si muove insieme. Questa forse è una delle cose che
differenza Tokyo da altre metropoli, come New York. Questa folla di
persone si muove tutta insieme, ma tutto è perfetto, tutto
avviene in modo anche silenzioso: tutto scorre come nell’acqua.
MK:
Nel video The flu ID c’è la citazione del libro di Italo Calvino
Le città invisibili. Questo mi ha fatto venire in mente l’opera
Solaris di Andrei Tarkovsky dove sono inserite immagini delle
autostrade di Tokyo: ho controllato e questo film è stato
realizzato nel ’72. Anni fa c’è stato un artista che guardando
Solaris ha voluto capire, quali autostrade di Tokyo sono state riprese.
E’ quindi andato in quei luoghi e ha fatto vedere le immagini dello
stesso posto trent’anni dopo. Questo ha messo in evidenza come Tokyo
già agli inizi degli anni Settanta dava l’idea di una
città del futuro.
SC:
Tokyo è una materializzazione delle città di Antonio
Sant’Elia. E’ quella più vicina ai suoi disegni degli inizi del
secolo.
MS:
Vediamo ora se il pubblico vuole fare delle domande.
X Persona italiana del pubblico: (in originale in italiano)
La mia domanda riguarda l’ultimo video. Riguarda in particolare Le
città invisibili di Calvino, perché mi è piaciuta
molto questa citazione, ma vorrei capirne meglio il significato.
SC:
Si tratta di permanenze. Soprattutto in una città come Tokyo,
dove c’è un movimento davvero incredibile, nello stesso punto in
una giornata passano migliaia di persone. Continuamente. Eppure
spariscono da quel luogo, diventano invisibili.
Il permanere delle figure nel video allora è come se rallentasse
questo movimento per fotografarlo. Slittano i piani temporali e un
secondo è come fosse mille anni. Ognuno lascia una propria
traccia, si allontana, sparisce lentamente, ma rimane permanente il
segno del suo passaggio.
Le citazioni in particolare riguardano città fantastiche ed era
quella la cosa che mi interessava di più. Perché Tokyo
è l’unica città che può sommare in se
stessa, che può rappresentare in una volta sola tutte
queste città immaginarie.
MK:
In tutti e cinque i video che abbiamo visto Cagol ha modificato la
velocità del tempo. La bandiera ad esempio sventolava molto
lentamente, e nell’ultima parte del video di Candy Candy le immagini
vanno al contrario; in The flu ID il tempo invece è velocizzato.
C’è un artista giapponese, Tatsuo Miyajima, che realizza le
proprie opere con successioni di numeri luminosi. Le sue opere sono
state in vari musei, ma nel lavoro al museo di arte contemporanea di
Tokyo la velocità del count down luminoso è più
veloce. Perché? Perché siamo a Tokyo!
Y Persona giapponese del pubblico: (in originale in italiano)
Innanzitutto complimenti per le opere che trovo bellissime. Nel primo
video c’è la bandiera che materialmente è un pezzo di
stoffa, leggera, ma tu modificando la velocità, rallentando, le
hai dato una struttura. A volte tu hai addirittura fermato un momento,
mostrando una forma. Questa forma è cercata o casuale?
SC:
Il caso esiste sempre, anche quando c’è una scelta di taglio,
anche quando da due ore di ripresa si estraggono pochi istanti di
video, con una selezione al momento del montaggio.
Rallentandole, poi, le immagini aumentano in modo esponenziale. Quindi
ci si addentra nel tempo, si va a cercare all’interno delle sue maglie,
di solito impercettibili.
Y:
E il suono del video, sempre quello della bandiera giapponese: hai
messo la musica di Grendizer. Tu ne conoscevi il significato, oppure
l’hai scelta perché ti piaceva?
SC:
Ovviamente mi è familiare la sigla italiana del cartone animato.
Ma ho voluto conoscere quella giapponese, dove il personaggio nasce. In
una delle versioni italiane comunque era stato ripreso lo stesso tema
della musica giapponese originale: ne erano state tradotte e cambiate
solo le parole.
Potrei provare a rifare il video con Goldrake, che è la versione
italiana di questo manga, e con la bandiera italiana.
MS:
Grazie davvero tanto per questa conversazione. E’ stata molto
interessante.
Vorrei concludere però chiedendo a Cagol se vuole accennare al
suo impegno futuro, che riguarda sempre Tokyo.
SC:
Tutti i risultati di questo lavoro a Tokyo e i progetti del 2006 –
quindi anche Singapore e Berlino – faranno parte di un mio nuovo libro,
edito dalla casa editrice Charta di Milano – una delle migliori per
l’arte. Entrerà in distribuzione internazionale e si è
deciso di fare un lancio del libro a Tokyo in aprile 2007.
Quindi sarò nuovamente a Tokyo.
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