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NADiff-
New Art Diffusion
Tokyo
April
5, 2007
Acts
of the conversation
between
Stefano Cagol, artist, and Yuka Uematsu, chief curator, Mimoca
- Marugame Inokuma Museum of Contemporary Art, Kagawa
ITALIAN TEXT BELOW
Massimo
Sarti, Italian Cultural Attaché, IIC - Italian Institute
of Culture Tokyo:
I'll
be quick! I wish to extend my welcome on behalf of the Italian
Institute of Culture that together with NADiff - New Art Diffusion,
organized both this meeting with the Italian artist Stefano Cagol, and
the launch of his book Harajuku Influences.
First
of all I would like to say hello to Masahiro Nozaki of NADiff,
Johnnie Walker, director of A.R.T. Foundation, Tokyo, and Yuka Uematsu,
chief curator of Mimoca - Marugame Inokuma Museum of Contemporary Art
in Kagawa. I would also like to thank the Vice-President of the
Autonomous Province of Trento Margherita Cogo who, together with the
delegation from Trento, here present, has supported this project.
The
book Harajuku Influences is the outcome of a project that Stefano
Cagol made last year in collaboration with our Institute. It was a work
in progress carried out last October that brought to the making of five
wonderful videos, partly here exhibited and documented within the book.
We are particularly fond of this project because it is a very
interesting contemporary art event by a definitely renown artist who
has already - besides his young age - recorded his presence at the
Venice Biennale and at the Singapore Biannual. It has been for us an
undoubtedly very important initiative!
We
are here today to introduce the outcome of this project within
Italian Spring, a great review coordinated by the Italian Embassy that
shows from March to June over three hundred events, not only cultural,
not only in Tokyo, but also in numerous other Japanese cities. Within
this review, the present introduction and exhibition are one of the
projects: one of the most remarkable that regard the most innovative
art and culture!
Yuka
Uematsu:
Let's
start our debate. My name is Yuka Uematsu, chief curator of
Mimoca - Marugame Inokuma Museum of Contemporary Art in Kagawa. Stefano
and I arrived here earlier and discussed what we were going to face
during our conversation. As a matter of fact you have probably already
seen in NADiff this small book by the title In conversation which is
the fruit of a previous dialogue held in Tokyo last October - as the
outcome of Stefano Cagol's work in progress - between the artist and
Mami Kataoka, senior curator at Mori Art Museum in Tokyo. We thus
decided about what we would "not" talk!
We
will not directly talk of the Japanese artwork featured in the
Harajuku Influences book, since it was already taken into consideration
upon that occasion. We will rather analyze the aspects that
characterize Cagol's research from a wider point of view, by referring
also to his future projects, but at the same time by trying to
understand how his ideas were born. In this way - not by talking of the
specific artwork - we will talk of what is contained in the book:
Harajuku Influences.
It
is from the title that we notice the term "Influences", while many
artworks here present show the abbreviation "flu". The flu ID is the
title of the video projected here at NADiff, but also the Bird Flu
project with the unpublished couple of words "Art Flu", "Politics Flu",
"War Flu",... that you created and printed on the pins you distributed
at the Berlin Biannual, re-suggested here on a second edition for the
present exhibition. When I went last year to the Singapore Biannual and
for the first time I saw your work, you exhibited a white vehicle with
the black writing "Power Station". We can therefore state that in your
research words are important. But which is your favorite word?
Stefano
Cagol:
My
dearest word in this moment is certainly "flu"!
It
is very simple, incisive, rather enigmatic...
What
interests me is "influence, influenza", not only as a disease but
especially as a whole that surrounds us: our life in fact is entirely
"led", "channeled". Everything influences us, everything is an
influence: politics, symbols, religion, television. Many small and big
manipulations master our daily lives. Our freedom is therefore annulled
in front of this bombing of physical and mental influences.
YU:
"Flu"
- your favorite word - you used it "pure", as an integral part of
some of your projects, and you then made other artworks that evoke the
same term and concept, as in the same title of your latest book.
The
title Harajuku Influences literally means "The influences of
Harajuku", reference is made to the quarter in which we are right in
this moment. What does this title mean? And by introducing it to the
Japanese audience - seen that your book is also in Japanese - what do
you want to share?
SC:
When
going through the book, those who come from Tokyo will notice that
there are no images of the Harajuku quarter!
I
lived in this part of the city on my first trip to Tokyo: as a matter
of fact on that occasion I took the place of an artist at a studio that
was right on Harajuku Street.
That
stay did influence me a lot! It was exceedingly incisive!
It
is therefore a more personal influence, held in my mind and by the
images, rather than what you can see as merely described in them. And
that particular stay marked my subsequent work. Each trip fundamentally
influences what I will do later on.
YU:
We
started our discussion from the title, but then there is another
fact I am interested in understanding in this book written in three
languages, Italian, Japanese, and English - fact which by itself is not
common.
It
is the image of Candy Candy quoted in the first video frames
published on the book and later on used again on the cover of the small
book with your conversation with Mami Kataoka. I think this is a
symbolical presence. We belong more or less to the same generation and
I must tell you that I was also very much in love with cartoons. I can
easily imagine you were caught by them when you were quite small. This
influence has maybe accompanied you once you were an adult? Even within
your work? Up to the point of being decisive in what you have been
doing?
And
the Japanese culture? Has it influenced you up to now in your work?
SC:
The
appearance on television in the Seventies of the first cartoons has
been an actual mass phenomenon, especially in Italy: all the kids were
mad for them, it was a sort of flash. And those were all cartoons made
in Japan. It was an extremely strong contamination. Something
unexpected, later on almost forgotten. Still, all what we saw stayed in
us. And these cartoons are imbued with Japanese culture. Even if in a
veiled way, they carry with themselves their life principles, messages,
moral suggestions, hints to traditions, descriptions of a way of
living, of behaving. Even if they are simple stories for children, they
hold in themselves an entire cultural basis which is the Japanese one.
We
in our thirties have unconsciously absorbed all this. Even if we did
not realize it, even if we have almost forgotten them. This particular
education has become an indelible memory within ourselves.
YU:
I
find your work The flu ID [Harajaku Influences] 4, also shown at the
present exhibition, very interesting. What made me most curious is the
fact that you used as a soundtrack the reading of an excerpt from The
invisible cities by Italo Calvino. In this video, as we previously
said, the title of the series refers to a quarter of Tokyo and the
place where the shooting was made is always Tokyo. The name of the
quarter Harajuku comes back, even if the neighborhood where this
artwork is set is Odaiba: Harajuku does not detect also in this context
a specific site, but it identifies and symbolizes the whole town of
Tokyo and the same Japan.
We
are now in Japan. And by watching your video we find ourselves in
front of the quotation you excerpted from Italian literature. It is us,
Japanese, who receive an influence from Italian culture. It is a sort
of "exchange of influences", of "crossed influences"!
SC:
It
is a complex influence, indeed! The other thing in fact that
characterizes my generation is the beginning of technology, the advent
of the computer. I was "born" with the arrival of the first personal
pcs, I was fascinated by them and by what was electronic. I used to
connect Japan, beyond the manga, also to technology. For me Japan
represented therefore an idea of innovation and of future.
When
I first came here it was like making the actual dreams of my
childhood come true . And now that I am the video artist and I have
with me my laptop, it is like being in paradise here.
Today
anyhow, with globalization, the situation is quite similar
everywhere and maybe India can be considered interesting for its
computers too, as other nations could be...
YU:
We
talked of what influenced you starting from your childhood: there
are the manga, your enchantment for technology, then in your book you
show the videos you are doing now - which are projected also here -
with the flags and your first drawings full of flags.
It
was when you were a child, as you told me, that you decided you
would be an artist and you therefore studied accordingly. You learned
history of art but then you became a video artist. What brought you to
this technique?
Was
it the contact with technology of which you spoke before? Or were
there other video artists that influenced you?
SC:
It
is true: I wanted to be an artist since when I was a child.
I
had this idea already when I was five. I therefore attended first Art
Institute, in my town in Trento, and then I continued my academic
studies at Brera in Milan, and up to then I used painting and sculpture
to make a very traditional kind of artwork. Only later, when I ended
the academy, there was an enlightenment!
It
was '93 and the moment in which what could be defined as "the second
video wave", started, the more technological one.
Among
them all there was Bill Viola, whom I saw for the first time when
he showed America at the Venice Biennale in '95 with fantastic video
installations, he influenced me greatly.
I
had anyhow already made my first moving images,
Fundamentally
what influenced my making videos was especially - and
very simply - the possibility of having accessible video cameras. This
allowed me to enter the first generation of young Italian video artists.
This
generation was anyhow the first to have familiarity with the
means, to see them as "simple". I never had any problems in facing a
computer and this brought me to use it and to make art with it.
YU:
At
this point I would like to go back to Calvino and to your quotation
from The invisible towns within your artwork. This book is in fact
built on a dialogue between Kublai Kahn and Marco Polo and at a certain
point Kublai Kahn asks Marco Polo if he is doing his trip to relive the
past or to find the future!
I
would like to ask you now the same question and exchange Marco Polo's
trip with your work as an artist. Thus, are you working as an artist to
relive a past or to find your future?
SC:
I
am looking for the future!!!
Maybe
the artist is able to be a little more projected into it and to
have a glimpse of the future. Or at least he tries to better understand
what he is living in that specific moment: that is why it is called
contemporary art, because it lives at the moment! It is thus inevitable
for each work, as soon as it is finished, to belong already to the
past. The past is therefore the basis on which you build your own
research and your own life.
YU:
By
doing art you say you are looking for the future. I am forced now to
ask you what your next project will be!
SC:
If
I only had just one week without a project on which to work, I would
be desperate: to be constantly projected into the future conveys also
this.
One
of the characteristics of my most actual research is to go back to
contemporary symbols like the flags and national hymns. Therefore to
very strong elements of identification and of influence by making use
of the same means of propaganda, typical of politics, of the wish to
exercise power, of showing a supremacy, of disclosing authority.
For
my new projects I will use balloons, enormous helium balloons on
the surface of which I will propose again the sort of short and
incisive slogans I used for the pins.
They
will be well visible in the sky and they will bring my message out
of galleries and museums, in the same way as when I went into the
streets to distribute pins in my trip towards the Berlin Biannual and
the Singapore Biannual. What for me is particularly important is the
fact of going out to communicate with the outside, with a wider
audience.
YU:
The
very first artwork by you that I saw was the one at the Singapore
Biannual with the distribution of the pins and with a vehicle that
broadcast the sound of national hymns. It was an artwork beyond
exhibiting spaces.
On
the other hand communication is influence! Your video work is being
exhibited here. How are you able to reconcile this work of public art
performance with the making of artistic videos?
SC:
They
are two parts of my work that complete one another.
In
the video installations fruition becomes very intimate and personal,
while with my interventions in the streets I address a much broader
audience. Let's say they are two opposed expressive modalities that I
bring forth in a parallel way: the contents, the themes make them
common.
But
it is only a question of time, we simply have to wait for the
evolution of technology, and in a short time we will be able to project
videos also outside. New media keep on improving and in a certain sense
meet artists' needs by leveling limitations with their brand new
possibilities.
YU:
You
say that a quick evolution of technology eases the quick changes of
art. Will this new evolution make it easier for you as well and will it
change your way of making art? In which way?
SC:
I
always say that a pencil is accessible to all but not everybody can
draw a masterpiece!
Technology
certainly helps but it is not all, it is not enough. It is
simply a way to communicate as there are many other ones: for this
reason I do not limit myself and I use also other modalities, such as
for example: pins, balloons, a vehicle with loudspeakers projected
outside...
Obviously,
the more the medium is powerful, the freer your ideas are!
It
is clear, on the other hand, that you do not have to be abused by
the medium: you have to use it, use it well, know how to manage it.
YU:
Yes,
you are right. I think it is very meaningful and important to keep
in mind that we must use technology as a means and not be used by it.
And
nowadays there are many artists - as some present in the audience
here - who use various media within their work... How important is this
tendency?
SC:
Even
if in this moment it could seem confusing, there are greater
possibilities undoubtedly.
As
a matter of fact, technology makes you freer because it helps you to
annul the barriers between video, photography and performance. The
painter, the sculptor do not exist any more, but the artist who moves
without any restrictions from one communicative modality to another...
YU:
This
confirms your statement that the artist always looks forward in
order to find or to find again something in the future.
We
thought we were going to have a "relaxed" conversation but we
finally spoke quite seriously...
Let's
see if there are some questions from the audience.
Johnnie
Walker: (originally in English)
I
saw your video work on the American flag. Did you have any reactions
regarding this particular work?
SC:
My
intention, for example, is to show it in New York at an exhibition
in the next exhibiting season. There will undoubtedly be opposed
reaction and the same gallery owner is not too keen on projecting this
particular video. I am very interested in doing it because it is one of
my most incisive artworks. This is the third version of the video, I
already introduced it in London and they liked it a lot, while in New
York they never wanted to show it.
It
is a sort of Rorschach test and it can intimidate much, but that is
the way it should be. With my last title Dark & Light, I detect in
fact lights and shades of a very strong symbol, one of the strongest
that influences the world and our same way of living. I am also be
curious to see what happens in Tokyo, what kind of impressions will be
triggered since the projection of this video starts right now in
NADiff...
YU:
I
realize that reactions depend on who the spectator is: if he has a
favorable vision towards the U.S.A. he will develop a kind of reading
of the video, while if the visitor has different ideas he will show
completely distinct reactions to the vision.
But
there is also another video work that has flags as the protagonist.
The other one has as a subject the Japanese flag. You shot the flag of
the Yasukuni Shrine in a work also present on your book.
And
by now I am curious and I would like to know why you chose to use
flags in your work.
SC:
My
first work on flags was Stars & Stripes that I shot in New York
in '99. Last October I shot instead the Japanese flag. In the meantime
I ended various versions of Stars & Stripes: the latest is the one
that I am exhibiting here with the black sky, while the one shown in
London was a flag on a blue sky. In any case there is this bivalent
vision according to which everybody can read what they believe. At
night it is maybe more difficult to see something positive, it is
easier to see a threatening aspect in it, that shades are more
highlighted and a light which is never the light of the sun.
YU:
...
while thinking of your works with flags, I remembered the one you
did with the white flag and shown in Venice during the Biennale.
Maybe
what attracts you of the flags is their not being static, rigid
forms, but their continuous movement. It is maybe their flowing
fluidity, to use a term that brings us back to the title of your video
The flu ID and to the term "flu" with which we started to analyze your
research in depth.
SC:
The
mutability of a flag that creates infinite images blown by the wind
is an actual conceptual connection that inserts these artworks within
my research.
In
particular the choice of the white flag was born as a consequence
from my use of national flags. In fact I used it not only as the symbol
of purity, and not with the meaning of the Western symbol for
surrender, rather as a synthesis of all colors. It is the union of all
the flags, the annulment of borders among states, between cultures.
YU:
In
order to end the presentation of your book that took place with our
conversation, I would like to ask you what kind of message you wish to
communicate to the audience, also to the Japanese public.
SC:
This
book represents for me a part of my life.
It
documents an entire year of work, the year 2006 which was one of the
most intense in my career. I must say that I am very satisfied in this
moment of my work and I think that my research is reaching a maturity.
My
coming to Japan marked a going back to my "origins" - even if it
might seem strange. It meant a looking at the origins to go beyond. For
this reason I found it was very, very important for me.
I
hope that it will mark a further step for me in Japan; I do not think
that my experience here is concluded, my intention is to come back and
work here.
YU:
Thank
you! I would like to thank Stefano Cagol and all those who are
present here in this moment.
SC:
I
would like to thank Mr. Johnnie Walker who arrived shortly after the
opening acknowledgments: it was his idea to show my work here!
And
thank you to Mr. Nozaki-san!
NADiff-
New Art Diffusion
Tokyo
5
aprile 2007
Atti
della conversazione
Tra
Stefano Cagol, artista, e Yuka Uematsu, chief curator, Mimoca -
Marugame Inokuma Museum of Contemporary Art, Kagawa
Massimo Sarti, Italian Cultural Attachè, IIC - Istituto Italiano
di Cultura Tokyo:
Sarò breve, ve lo anticipo! Voglio fare un saluto a nome
dell'Istituto Italiano di Cultura che insieme a NADiff - New Art
Diffusion ha organizzato sia questo incontro con l'artista italiano
Stefano Cagol che il lancio del libro Harajuku Influences.
In particolare ci tengo a salutare subito Masahiro Nozaki di NADiff,
Johnnie Walker direttore della A.R.T. Foundation Tokyo, e Yuka Uematsu,
chief curator del Mimoca - Marugame Inokuma Museum of Contemporary Art
in Kagawa. Mi fa inoltre piacere ringraziare la Vice-Presidente della
Pronvincia Autonoma di Trento Margherita Cogo, che insieme alla
delegazione di Trento qui presente ha sostenuto questo progetto.
Il libro Harajuku Influences è il risultato di un progetto che
Stefano Cagol ha realizzato lo scorso anno proprio in collaborazione
con l'Istituto. Si trattava di un work in progress durante lo scorso
ottobre che ha avuto come risultato la realizzazione di cinque
splendide opere video che sono in parte esposte anche qui e sono
documentate all'interno del libro. Questo progetto a noi sta
particolarmente a cuore perché è un intervento d'arte
contemporanea molto interessante di un artista realmente di livello,
che ha già alle spalle - malgrado l'età - partecipazioni
di rilievo, come progetti durante la Biennale di Venezia e la Biennale
di Singapore. E' stata quindi per noi indubbiamente un'iniziativa molto
importante!
Oggi siamo qui a presentare i risultati di questo progetto all'interno
di Primavera Italiana, una grande rassegna, coordinata dall'Ambasciata
d'Italia, che presenta da marzo a giugno oltre trecento manifestazioni,
non solo culturali e non solo a Tokyo ma anche in numerose altre
città giapponesi. Al suo interno questa presentazione e questa
esposizione sono uno dei progetti: uno dei più importanti che
riguardano l'arte e la cultura più innovative!
Yuka Uematsu:
Cominciamo ora la conversazione. Mi presento, sono Yuka Uematsu, chief
curator del Mimoca - Marugame Inokuma Museum of Contemporary Art in
Kagawa.
Io e Stefano siamo arrivati qui un po' prima e abbiamo discusso su
ciò che avremmo affrontato durante questa nostra conversazione.
Infatti voi avrete già visto qui a NADiff il libricino dal
titolo In conversation che è il frutto del precedente dialogo
realizzato a Tokyo lo scorso ottobre - a conclusione quindi del work in
progress - tra l'artista e Mami Kataoka, senior curator al Mori Art
Museum Tokyo. Abbiamo allora deciso soprattutto di cosa "non" avremmo
parlato!
Non parleremo in maniera diretta delle opere giapponesi contenute nel
libro Harajuku Influences visto che già sono state approfondite
in quell'occasione. Analizzeremo piuttosto gli aspetti che
caratterizzano la ricerca di Cagol da un punto di vista più
ampio, facendo riferimento anche ai suoi progetti futuri, ma anche
cercando di capire come nascono le sue idee. In questo modo - quindi
non partendo dalle opere specifiche - parleremo di quanto è
presente nel libro Harajuku Influences.
Proprio il titolo del libro contiene il termine "influences", mentre
molte opere contenute in esso presentano l'abbreviazione "flu": sono il
video The flu ID proiettato qui a NADiff, ma anche il progetto Bird Flu
con le inedite coppie di parole Art Flu, Politics Flu, War Flu... che
hai creato e hai impresso sulle spille distribuite alla Biennale di
Berlino e riproponi anche qui in una seconda edizione in occasione di
questa mostra. Quando invece lo scorso anno sono andata alla Biennale
di Singapore e ho visto per la prima volta il tuo lavoro, hai
realizzato un veicolo bianco con la scritta nera "Power Station".
Possiamo dire quindi che nella tua ricerca sono importanti le parole.
Ma qual'è la tua parola preferita?
Stefano Cagol:
Sicuramente in questo momento la parola "flu", influenza, mi è
molto cara!
E' molto semplice, molto incisiva, un po' enigmatica...
Ad interessarmi è l'influenza, non solo come malattia, ma
soprattutto come insieme di ciò che ci circonda: la nostra vita
infatti è interamente "guidata", "incanalata". Tutto ci
influenza, tutto è influenza: la politica, i simboli, la
religione, la televisione. Tanti piccoli e grandi condizionamenti
dominano la nostra quotidianità. La nostra libertà quindi
è annullata di fronte a questo bombardamento di influenze
fisiche e mentali.
YU:
"Flu" - la parola da te preferita - l'hai usata "pura", proprio come
una parte integrante di alcuni progetti, e poi hai realizzato altri
lavori che evocano questo termine e questo concetto, come avviene nel
titolo stesso del libro.
Il titolo Harajuku Influences significa letteralmente "le influenze di
Harajuku", facendo riferimento al quartiere dove ci troviamo proprio in
questo momento. Cosa significa questo titolo? E presentandolo al
pubblico giapponese - visto che il libro è anche in giapponese -
cosa vuoi trasmettere?
SC:
Chi è di Tokyo sfogliando il libro nota subito che non ci sono
immagini del quartiere Harajuku!
Era durante il mio primo viaggio a Tokyo che abitavo in questa parte
della città: sono infatti subentrato in quell'occasione nello
studio di un artista che stava proprio ad Harajuku Street.
E quella permanenza mi ha influenzato molto! E' stata molto incisiva!
E' un'influenza quindi più personale, racchiusa nella mia mente
e nelle immagini piuttosto che descritta didascalicamente in esse.
Eppure quel mio stare qui ha segnato molto il mio lavoro successivo.
In fondo ogni viaggio influisce su quanto faccio in seguito.
YU:
Siamo partiti col nostro discorso dal titolo, poi però
c'è un altro fatto che m'interessa capire di questo libro
scritto in tre lingue, italiano, giapponese e inglese - e già
questa non è una cosa comune.
E' la figura di Candy Candy, citata nei primi video frame pubblicati
sul libro e ripresa poi sulla copertina del libricino della tua
conversazione con Mami Kataoka. Credo che questa sia una presenza
simbolica. Noi infatti siamo più o meno della stessa generazione
e devo confessare che anch'io ero molto innamorata dei cartoni animati.
Immagino tu sia stato legato ad essi quando eri piccolo. Ti ha
però forse accompagnato anche una volta cresciuto questa loro
influenza? Anche fin dentro il tuo lavoro? Fino ad essere determinante
in quanto hai fatto?
E la cultura giapponese? Ti ha influenzato, e ti influenza tutt'ora nel
tuo lavoro?
SC:
L'arrivo sulle Tv dei primi cartoni animati negli anni Settanta
è stato davvero un fenomeno di massa, soprattutto in Italia:
tutti i ragazzini impazzivano per loro, è stata una specie di
folgorazione. Ed erano tutti cartoni animati realizzati in Giappone.
Questa è stata una contaminazione fortissima. Una cosa
inaspettata e poi quasi dimenticata. Eppure tutto quanto abbiamo visto
è poi rimasto dentro di noi.
E questi cartoni animati sono intrisi di cultura giapponese. Anche se
in modo velato, trasportano con loro principi di vita, messaggi,
suggerimenti morali, accenni alle tradizioni, descrizioni del modo di
vivere e dei comportamenti. Anche se sono semplici storie per bambini,
contengono al loro interno tutta una base culturale che è quella
giapponese.
Quindi noi trentenni abbiamo inconsciamente assorbito tutto questo.
Anche se non ce ne siamo resi conto, anche se ce ne siamo dimenticati.
Tutto questo particolare bagaglio culturale è sedimentato
indelebilmente dentro di noi.
YU:
Trovo il tuo lavoro The flu ID [Harajuku Influences] 4, presentato
anche qui in mostra, molto interessante. Quello che più mi ha
incuriosito è stato il fatto che hai usato per il sonoro la
lettura di un estratto da Le città invisibili di Italo Calvino.
In questo video il titolo della serie, come dicevamo, fa riferimento a
un quartiere di Tokyo e il luogo dove è stata realizzata la
ripresa è sempre Tokyo. Ritorna infatti ancora il nome del
quartiere Harajuku, anche se il quartiere dove è ambientata
quest'opera è Odaiba: Harajuku non individua quindi anche qui un
luogo specifico, ma identifica e simboleggia l'intera città di
Tokyo e il Giappone.
Noi ora siamo in Giappone. E guardando il tuo video ci troviamo di
fronte a questa tua citazione della letteratura italiana. Siamo noi
giapponesi quindi questa volta a ricevere un'influenza dalla cultura
italiana. E' una sorta di "scambio di influenze", di "influenza
reciproca"!
SC:
Effettivamente è un'influenza complessa!
L'altra cosa infatti che caratterizza la mia generazione è
l'inizio della tecnologia, l'avvento dei computer. Io sono "nato" con
l'arrivo dei primi personal computer, affascinato da essi e da tutto
quanto era elettronico. Legavo infatti il Giappone, oltre che ai manga,
anche alla tecnologia. Per me quindi il Giappone rappresentava un'idea
di innovazione e di futuro.
Venire qui è stato allora come concretizzare i sogni veri e
propri della mia infanzia. Ora poi che sono video artista e ho sempre
con me il lap top, qui è un paradiso di tutto questo.
Oggi comunque con la globalizzazione la situazione è simile un
po' ovunque e forse ora anche l'India è considerata interessante
per i computer, come potrebbero esserlo altre nazioni...
YU:
Ci siamo trovati a parlare di cosa ti ha influenzato a partire dalla
tua infanzia: ci sono i manga, il fascino della tecnologia, poi nel
libro mostri i video che fai ora - e che sono in mostra anche qui - con
le bandiere e i disegni che facevi da piccolo pieni di bandiere.
Propio da piccolo, mi dicevi, hai deciso di diventare artista, e quindi
hai fatto studi specifici. Hai studiato allora la storia dell'arte, ma
poi sei diventato video artista. Cosa ti ha spinto a fare il video
artista?
E' stato questo contatto con la tecnologia di cui parlavi? O ci sono
stati altri video artisti che ti hanno influenzato?
SC:
E' vero: volevo fare l'artista fin da bambino!
Già quando avevo cinque anni avevo quest'idea. Quindi prima ho
frequentato l'Istituto d'Arte nella mia città, a Trento, e poi
ho fatto gli studi accademici a Brera a Milano, e fino a quei tempi
utilizzavo la pittura e la scultura per realizzare un tipo di lavoro
molto tradizionale. Solo dopo, quando ho finito l'accademia, c'è
stata un'illuminazione!
Era il '93 ed era il momento in cui stava iniziando quella che potremmo
definire come la "seconda ondata di video arte", quella maggiormente
tecnologica. Sicuramente fra tutti Bill Viola, che ho visto per la
prima volta quando rappresentò l'America alla Biennale a Venezia
del '95 con fantastiche video installazioni, mi ha influenzato molto.
Io comunque in quel momento avevo già realizzato le mie prime
immagini in movimento, quindi, in fondo, a influenzare il mio fare
video è stato soprattutto - e molto semplicemente - la
possibilità di avere a disposizione videocamere accessibili. E'
stato questo a fare in modo che entrassi a far parte della prima
generazione di giovani video artisti italiani.
Tutta questa generazione è stata del resto la prima ad avere
avuto dimestichezza con questi mezzi, ad averli visti come "semplici".
Io ad esempio non ho mai avuto problemi a rapportarmi con il computer e
questo mi ha sicuramente spinto ad usarlo anche nel mio fare arte.
YU:
A questo punto voglio tornare a Calvino e alla citazione de Le
città invisibili all'interno della tua opera. Questo libro
è costruito infatti su un dialogo tra Kublai Kahn e Marco Polo e
ad un certo punto Kublai Khan chiede a Marco Polo se sta facendo il suo
viaggio per ri-vivere il passato oppure per trovare il futuro!
Io ora vorrei porti la stessa domanda e sostituire al viaggio di Marco
Polo il tuo lavoro di artista. Quindi tu stai facendo l'artista per
ri-vivere il passato o per trovare il futuro?
SC:
Sto cercando il futuro!!!
Forse l'artista riesce ad essere un po' più avanti rispetto
all'oggi, a vedere un po' il futuro. O almeno cerca di capire al meglio
quello che si sta vivendo in quell'istante: per questo si chiama arte
contemporanea, perché vive sull'attimo! E così è
inevitabile anche che ogni lavoro, appena finito, sia già
passato. Il passato è allora la base su cui si costruisce la
propria ricerca e la propria vita.
YU:
Facendo arte dici di cercare il futuro. Allora devo chiederti qual
è il tuo prossimo progetto!
SC:
Se io avessi anche una sola settimana senza un progetto al quale
lavorare, sarei disperato: essere costantemente proiettati nel futuro
comporta anche questo!
Una delle caratteristiche della mia ricerca più attuale è
il rifarsi a simboli contemporanei come le bandiere e gli inni
nazionali, quindi a elementi molto forti di identificazione e
influenza, che utilizzo servendomi dei mezzi propri della propaganda,
tipici della politica, della volontà di esercitare il proprio
potere, di dimostrare la propria supremazia, di esternare la propria
autorità.
Per i miei nuovi progetti userò in particolare dei palloni,
enormi palloni ad elio sulla cui superficie riproporrò in grande
questa sorta di slogan brevi e incisivi che ho messo anche sulle
spille. Saranno visibili in cielo e porteranno quindi fuori dalle
gallerie e dai musei la mia opera, il mio messaggio, proprio come ho
fatto andando per strada a distribuire le spille nel mio viaggio verso
la Biennale di Berlino e alla Biennale di Singapore. E' il fatto di
uscire che trovo importante, quello di comunicare con l'esterno, con un
pubblico ampio.
YU:
Appunto la tua prima opera che ho visto è stata quella alla
Biennale di Singapore con la distribuzione delle spille e con un
veicolo che diffondeva il suono degli inni nazionali. Era quindi un
lavoro che usciva dagli spazi espositivi.
E del resto la comunicazione è influenza!
Qui in mostra invece ci sono opere video. Come fai a conciliare questo
lavoro di performance d'arte pubblica e quello di video arte?
SC:
Sono due parti del mio lavoro che si vanno a completare.
Nelle installazioni video la fruizione diventa molto più intima
e personale, mentre negli interventi esterni mi rivolgo al pubblico
vasto della strada. Diciamo allora che sono due modalità
espressive opposte che porto avanti parallelamente: ad accomunarle sono
i contenuti, le tematiche.
Ma è solo questione di tempo, dobbiamo solo aspettare
l'evoluzione della tecnologia, e fra non molto potremo proiettare anche
i video all'esterno. I nuovi media infatti continuano a migliorare e
vanno in un certo senso incontro agli artisti annullando le
limitazioni, offrendo possibilità sempre nuove.
YU:
Dici che la veloce evoluzione della tecnologia facilita i veloci
cambiamenti dell'arte. Questa evoluzione faciliterà quindi anche
te e cambierà il tuo modo di fare arte? In che modo?
SC:
Dico sempre che una matita è accessibile a tutti, ma non tutti
sono capaci di disegnare un capolavoro!
La tecnologia sicuramente aiuta, ma non è tutto, non è
abbastanza. E' semplicemente un mezzo per comunicare come ce ne sono
molti altri: per questo non mi limito e uso anche altre
modalità quali sono ad esempio le spille, i palloni, un veicolo
con altoparlanti rivolti all'esterno...
Ovviamente più un medium è potente e più rende
libere le proprie idee!
Ma è chiaro che non bisogna essere prevaricati dal medium:
bisogna usarlo, saperlo usare bene, saperlo gestire!
YU:
Si, hai ragione: è molto importante avere presente che noi
dobbiamo utilizzare la tecnologia come un mezzo e non essere usati da
essa!
E oggi molti sono gli artisti - come alcuni presenti anche qui tra il
pubblico - che si servono di diversi media all'interno del loro
lavoro... E' cosi? Quant'è importante questa tendenza?
SC:
Anche se questo momento potrebbe sembrare confuso, indubbiamente le
possibilità sono maggiori.
La tecnologia infatti rende più liberi perché
contribuisce ad annullare le barriere tra video, fotografia e
performance. Non esistono più il pittore, lo sculture, ma
l'artista che si muove senza restrizioni da una modalità
comunicativa all'altra...
YU:
Questo conferma la tua affermazione che l'artista guarda sempre al
futuro, al trovare o ri-trovare qualcosa nel futuro!
Avevamo pensato di fare una conversazione "rilassata", ma alla fine
abbiamo parlato molto seriamente...
Vogliamo vedere allora se ci sono domande del pubblico?
Johnnie Walker: (originale in inglese)
Io ho visto la tua opera video sulla bandiera americana. Hai avuto
qualche reazione rispetto a questo lavoro?
SC:
Ad esempio ho intenzione di presentarla a New York in una mostra nella
prossima stagione espositiva. Sicuramente ci saranno reazioni
contrastanti e anche la stessa gallerista non è molto propensa a
proiettare questo video. Io invece ci tengo perché è uno
dei miei lavori più incisivi. Questa è la terza versione
del video: l'ho già presentato a Londra ed è piaciuto
molto, mentre a New York non lo hanno mai voluto mostrare.
E' una sorta di test di Rorschach e può intimorire molto, ma
è giusto che sia così. Con l'ultimo titolo Dark &
Light individuo infatti luci e ombre di un simbolo molto forte, uno dei
più forti che influenza il mondo e il nostro stesso modo di
vivere.
Sono poi curioso di vedere cosa succederà a Tokyo, quali saranno
le impressioni, visto che la proiezione di questo video in mostra da
NADiff inizia proprio ora...
YU:
Mi rendo conto che la reazione dipende da chi è lo spettatore:
se ha una visione favorevole rispetto agli USA svilupperà un
tipo di lettura del video, mentre il visitatore con idee diverse
avrà una reazione opposta anche al video.
Ma c'è anche un'altra opera video che ha per protagonista le
bandiere. L'altra ha come soggetto la bandiera giapponese. Hai infatti
ripreso la bandiera dello Yasukuni Shrine in un lavoro presente anche
sul libro.
Sono allora curiosa di sapere perché hai scelto di inserire nel
tuo lavoro le bandiere...
SC:
Il mio primo lavoro sulle bandiere è stato Stars & Stripes
che ho girato a New York nel '99. Lo scorso ottobre invece ho fatto il
lavoro con la bandiera giapponese. Nel frattempo ho messo a punto
alcune versioni diverse di Stars & Stripes: l'ultima è
quella che espongo qui con il cielo nero, mentre quella presentata a
Londra era una bandiera su cielo blu. In ogni caso comunque rimane
questa visione bivalente secondo la quale ognuno può leggere
ciò che crede. Nella notte però è forse più
difficile vedere qualcosa di positivo, più facile che risulti
minacciosa, che vengano in rilievo le ombre e una luce che non è
mai quella del sole.
YU:
...pensando ai tuoi lavori con le bandiere, mi è venuto in mente
anche quello con la bandiera bianca che hai realizzato a Venezia
durante la Biennale.
Forse ad attirarti delle bandiere è il loro essere forme mai
statiche, rigide, ma continuamente in movimento. E' la loro
caratteristica di fluidità, per usare un termine che ci rimanda
al titolo del tuo video The flu ID e al termine "flu" dal quale siamo
partiti per approfondire la tua ricerca.
SC:
Sicuramente la mutevolezza della bandiera sospinta dal vento a creare
infinite immagini è una reale connessione concettuale che
inserisce queste opere all'interno della mia ricerca.
In particolare la scelta della bandiera bianca nasce come conseguenza
dal mio utilizzo delle bandiere nazionali. Infatti l'ho presa non solo
come simbolo di purezza e non tanto come simbolo occidentale di resa,
ma come sintesi di tutti i colori. E' l'unione di tutte le bandiere,
l'annullamento dei confini tra gli stati, tra le culture.
YU:
Per concludere la presentazione del libro avvenuta attraverso la nostra
conversazione, voglio chiederti quale messaggio desideri comunicare con
esso al pubblico, anche a quello giapponese.
SC:
Questo libro per me rappresenta un pezzo di vita.
Documenta un anno intero di lavoro che è il 2006 ed è
stato uno degli anni più intensi della mia carriera. Devo dire
che sono molto soddisfatto in questo momento del mio lavoro e credo che
la mia ricerca stia raggiungendo una maturità.
Venire in Giappone è stato un ritorno alle mie "origini" - anche
se sembra strano. E' stato un guardare alle origini per andare oltre.
Per questo l'ho trovato molto, molto importante per me.
Spero che questo sia un ulteriore passo qui in Giappone; non credo sia
conclusa la mia esperienza qui, ma ho intenzione di ritornare e
lavorare ancora qui.
YU:
Grazie! Per concludere questa conversazione ringrazio Stefano Cagol e
tutto il pubblico presente.
SC:
Io vorrei ringraziare Mr. Johnnie Walker, che è arrivato un po'
dopo i ringraziamenti iniziali: sua è stata l'idea di presentare
il mio lavoro qui!
E grazie a Mr. Nozaki-san!
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